Photographes de portrait célèbres, d’ici et d’ailleurs

Photographes de portrait célèbres

Un bon portrait va au-delà d’une belle image : il capture l’essence d’une personne. Les meilleurs photographes de portrait au monde ont chacun développé un style unique, avec lequel ils ont laissé une signature reconnaissable dans la photographie de portrait. Des noms iconiques de l’histoire de la photographie aux maîtres contemporains, ces photographes de portrait célèbres constituent une source d’inspiration pour quiconque souhaite approfondir ce domaine.

Je regarde ces héros avec admiration. Ils me donnent un cap à atteindre, et pour y parvenir, je me plonge avec plaisir dans des séances portrait, chez moi ou en studio. En étudiant leur travail, vous n’apprenez pas seulement la technique et la composition, mais surtout comment créer un lien avec la personne devant votre objectif. C’est exactement ce que j’essaie de transmettre dans mon atelier de photographie de portrait en individuel : l’art de réaliser des portraits qui racontent vraiment quelque chose.

Que vous débutiez en photographie de portrait ou que vous ayez déjà des années d’expérience, le travail de photographes de portrait talentueux continue d’inspirer et de motiver à se développer.

Voici une partie de ma liste de photographes de portrait qui m’inspirent :

1. Stephan Vanfleteren (1969-aujourd’hui, Belgique)

Stephan Vanfleteren a réuni des portraits de personnes connues et inconnues dans Portret, 1989-2009 (2009). Le photographe belge est né à Courtrai et a grandi à Oostduinkerke. Il avait auparavant publié Flandrien (2005) et Belgicum (2007). Ce dernier travail a été exposé au Fotomuseum Antwerpen en 2007 et 2008. Il a notamment photographié pour De Morgen et de Volkskrant.

Stephan Vanfleteren photographiait presque exclusivement en noir et blanc : une approche sobre, directe et respectueuse de la personne photographiée. Son portrait de Rem Koolhaas lui a valu le Nationale Portretprijs en 2012. En 2013, il a remporté un premier prix au World Press Photo pour ses portraits mis en scène. Face à ce regard direct, je me demande, en tant que photographe, ce qu'il faut vraiment ajouter autour d'un visage.

3. Richard Avedon (1923-2004, États-Unis)

Richard Avedon a travaillé sur In the American West entre 1979 et 1984, sur commande de l'Amon Carter Museum de Fort Worth. Le livre et l'exposition ont suivi en 1985. Le photographe américain a réalisé ces portraits sur fond blanc. Il avait auparavant publié Observations (1959), avec un texte de Truman Capote, et Nothing Personal (1964), avec un texte de James Baldwin.

Dans ces portraits en noir et blanc, Richard Avedon supprimait le décor pour laisser toute la place au visage et à la posture. Ses échanges avec les personnes photographiées pouvaient être intenses et inconfortables. En 1991, il a reçu le Hasselblad Award. Pour moi, son apport à la photographie de portrait tient à cette approche dépouillée : un fond blanc paraît simple, mais il rend chaque geste visible. Ce sont ces gestes que je continue à regarder.

4. Irving Penn (1917-2009, États-Unis)

Pour Corner Portraits (1948), Irving Penn plaçait les gens dans l'angle aigu formé par deux panneaux. Martha Graham, Duke Ellington et Truman Capote, entre autres, y ont pris place. Le photographe américain a réalisé cette série pour Vogue. Pour Small Trades (1950-1951), il a photographié ses modèles en pied. Son livre Worlds in a Small Room est paru en 1974.

Irving Penn utilisait des fonds unis et des dispositifs simples, comme cet angle entre deux panneaux. Selon lui, cet espace clos semblait apaiser les gens. J'aime bien ce détail : un coin exigu peut donc aussi être agréable. Penn a reçu le Hasselblad Award en 1985. Chez lui, je vois toute la place qu'on peut donner à quelqu'un avec très peu d'éléments.

5. Yousuf Karsh (1908-2002, Canada)

Yousuf Karsh a réalisé son portrait de Winston Churchill, connu sous le titre The Roaring Lion, le 30 décembre 1941, dans la Speaker's Chamber de la Chambre des communes du Canada. Le portraitiste arméno-canadien est né à Mardin, qui faisait alors partie de l'Empire ottoman, et a obtenu la nationalité canadienne en 1947. Il a également photographié Ernest Hemingway en 1957. Son livre Portraits of Greatness est paru en 1959.

Yousuf Karsh travaillait avec un éclairage dramatique et des accessoires liés au métier de la personne photographiée. Il se renseignait sur elle et prenait le temps de discuter avant la prise de vue. En 1989, la National Gallery of Canada a consacré une exposition à ses portraits. Ses photos montraient comment la préparation et la lumière pouvaient donner de l'autorité à un visage. Cette conversation préalable me rappelle que mon travail de photographe commence avant la prise de vue.

6. Peter Lindbergh (1944-2019, Allemagne)

Peter Lindbergh a photographié Linda Evangelista, Naomi Campbell, Tatjana Patitz, Christy Turlington et Cindy Crawford pour la couverture du Vogue britannique de janvier 1990. Cette couverture a été considérée comme le début de l'ère des supermodels. Le photographe allemand avait déjà réalisé la série White Shirts (1988) à Malibu. Il a ensuite publié des livres comme A Different History of Fashion by Lindbergh (2016) et Shadows on the Wall (2017).

Peter Lindbergh choisissait souvent le noir et blanc et préférait le naturel à une apparence lisse. Chez lui, les femmes célèbres restaient des personnes. La Kunsthal Rotterdam a consacré une grande exposition à sa photographie de mode en 2016-2017. Pour moi, ses portraits montrent que même une photo de supermodel peut parler d'autre chose que de beauté.

7. Platon (1968-aujourd’hui, Royaume-Uni)

Platon a réuni ses portraits de dirigeants du monde entier dans Power (2011). Le portraitiste britannique d'origine grecque avait auparavant publié Platon's Republic (2004). Dans Service (2016), il s'est intéressé aux militaires américains et à leurs familles. Avec The Defenders: Heroes of the Global Fight for Human Rights (2024), il s'est tourné vers les défenseurs des droits humains. Il a ainsi donné un visage au pouvoir comme à ceux qui s'y opposaient.

Platon photographiait de façon directe, avec peu d'éléments susceptibles de détourner l'attention et parfois seulement trente secondes pour une séance. Il faisait asseoir ses modèles sur une caisse à pommes en bois, même lorsqu'il avait un dirigeant mondial devant lui. Depuis 2008, il est photographe attitré au New Yorker. Ses portraits rapprochaient les puissants et les militants des droits humains par la même approche sobre. Devant cette caisse en bois, je m'intéresse surtout à ce qu'il choisit de laisser de côté en tant que photographe : même pour un dirigeant mondial, cette assise toute simple suffit.

8. Zanele Muholi (1972-aujourd’hui, Afrique du Sud)

Zanele Muholi a commencé en 2006 Faces and Phases, une série de portraits également publiée sous forme de livre en 2010. Muholi, photographe d'Afrique du Sud, se définissait comme « visual activist » et parlait des personnes photographiées comme de participants. Dans Somnyama Ngonyama, Muholi passait de l'autre côté de l'appareil. Le livre réunissant ces autoportraits est paru chez Aperture en 2018, en parallèle du travail consacré aux autres.

Zanele Muholi demandait aux participants de regarder droit dans l'objectif. Ces portraits constituaient une archive de personnes issues d'une communauté persécutée, chacune avec un nom et un visage. Le militantisme prenait ainsi une forme concrète dans la photographie de portrait. La Tate Modern a présenté une exposition personnelle en 2024-2025. En 2026, Muholi a reçu le Hasselblad Award. Ce regard direct me ramène, en tant que photographe, à la personne devant l'appareil.

9. Bettina Rheims (1952-aujourd’hui, France)

Bettina Rheims a photographié de jeunes androgynes pour Modern Lovers (1989-1990). La photographe française a ensuite travaillé sur Chambre Close (1990-1992), sa première série en couleur, accompagnée d'un texte de Serge Bramly. Elle a aussi réalisé le portrait officiel du président Jacques Chirac en 1995. Le genre et l'identité revenaient dans son travail, notamment dans Gender Studies, exposé en 2012 au NRW Forum de Düsseldorf.

Bettina Rheims assumait pleinement la mise en scène de ses portraits. Les poses et le travail de stylisme faisaient partie de sa manière d'interroger le genre et l'identité. Rheims a reçu le Grand Prix de la Photographie de la Ville de Paris en 1994. Une rétrospective a suivi à la Maison Européenne de la Photographie en 2016. Sa façon de travailler les poses et le stylisme m'apprend qu'une photo très dirigée peut tout de même raconter quelque chose de la personne.

10. Vincent Peters (1969-aujourd’hui, Allemagne)

Vincent Peters a publié en 2014 son premier livre de photos, The Light Between Us, avec des portraits d'acteurs, de mannequins et de musiciens. Le portraitiste allemand a également publié Personal, où figuraient notamment Penélope Cruz, Linda Evangelista et Irina Shayk. Ce livre réunissait en grande partie des photos inédites. Son travail a aussi paru dans des magazines comme Vogue, Numéro et The Face.

Vincent Peters réalisait des portraits en noir et blanc qui évoquaient des arrêts sur image au cinéma. Avec la lumière et l'ombre, il décidait de ce qui serait visible et de ce qui resterait caché. Kunsthuis Amsterdam a présenté sa première rétrospective aux Pays-Bas en 2017. L'exposition Inner Light a suivi à Fotografiska Tallinn en 2019. Son usage de l'ombre me rappelle que, comme photographe, je n'ai pas besoin de tout montrer pour qu'un portrait fonctionne.

11. Rineke Dijkstra (1959-aujourd’hui, Pays-Bas)

Rineke Dijkstra a réalisé la série Beach Portraits entre 1992 et 1994. La portraitiste néerlandaise s'intéressait souvent aux jeunes au moment du passage à l'âge adulte. Parmi ses autres séries figurent Tiergarten Series (1998-2000) et Almerisa. Elle réalisait aussi des vidéos : en 2019, son œuvre Night Watching, une vidéo à trois canaux, a été présentée au Rijksmuseum.

Rineke Dijkstra se distinguait par son approche sobre : les personnes posaient souvent de face et en pied, devant un fond réduit au minimum. La posture et la vulnérabilité avaient ainsi toute leur place. Elle a reçu le Hasselblad Award en 2017 et le Johannes Vermeer Award en 2020. Dans ces postures, je vois, en tant que photographe, quelque chose du passage à l'âge adulte, sans qu'il faille que tout soit déjà bien en place.

12. Helmut Newton (1920-2004, Allemagne/Australie)

Helmut Newton a publié en 1986 Helmut Newton: Portraits, avec Klaus Honnef. Né à Berlin, le photographe réalisait, en plus de ses portraits de célébrités, de nombreux travaux de mode, notamment pour Vogue et Harper's Bazaar. Ses livres White Women (1976) et Sleepless Nights (1978) avaient précédé ce recueil de portraits. En 1999 est paru l'imposant ouvrage Sumo.

Helmut Newton travaillait un noir et blanc stylisé, avec de l'érotisme et des références au fétichisme. Dans Big Nudes, des mannequins nus posaient de face devant un fond neutre. Son travail donnait une place affirmée au pouvoir et à l'érotisme dans la photographie de portrait. Newton a créé sa propre fondation en 2003. Elle a été accueillie au Museum für Fotografie de Berlin, qui a ouvert en 2004. Ces nus de face me mettent mal à l'aise en tant que photographe, et pour moi, cela fait justement partie du travail.

13. David LaChapelle (1963-aujourd’hui, États-Unis)

David LaChapelle a publié son livre de photos LaChapelle Land en 1996, suivi de Hotel LaChapelle en 1999 et de Heaven to Hell en 2006. Le photographe américain a débuté chez Interview et a notamment travaillé pour Vanity Fair, Vogue et Rolling Stone. En parallèle de la photographie, il a réalisé des clips et le film Rize, sorti en 2005.

David LaChapelle réalisait des portraits mis en scène avec des couleurs vives, du kitsch et des références à l'histoire de l'art. La consommation et la rédemption étaient des thèmes récurrents. Son exposition rétrospective Make Believe a été présentée à Fotografiska New York. Chez lui, un portrait de célébrité pouvait devenir une scène entièrement inventée. Cela me montre, en tant que photographe, toute la place qu'un tel portrait peut laisser à autre chose qu'à la seule ressemblance.

14. Sally Mann (1951-aujourd’hui, États-Unis)

Sally Mann a publié en 1992 Immediate Family, un livre réunissant 65 photos en noir et blanc de ses trois enfants. La photographe américaine avait auparavant publié At Twelve: Portraits of Young Women (1988). Son entourage proche revenait dans son travail : ses enfants, son mari et les paysages du Sud des États-Unis. Hold Still: A Memoir with Photographs est paru en 2015.

Sally Mann travaillait en grand format et en noir et blanc. À partir du milieu des années 1990, elle a aussi utilisé des plaques de verre au collodion humide. Avec Immediate Family, elle a ouvert le débat sur l'intimité et le consentement dans les portraits de famille. La National Gallery of Art a inauguré Sally Mann: A Thousand Crossings en 2018. Elle a reçu le Prix Pictet en 2021. Son travail m'amène, en tant que photographe, à penser aussi à l'intimité et au consentement dans les portraits fine art : un sujet aussi familier que sa propre famille peut soulever des questions difficiles.

15. Gregory Crewdson (1962-aujourd’hui, États-Unis)

Gregory Crewdson a réalisé Twilight entre 1998 et 2002, puis Beneath the Roses (2003-2008). Le photographe américain construisait ses photos autour de situations mises en scène dans des intérieurs et des paysages de banlieue. Parmi ses séries suivantes figurent Cathedral of the Pines (2013-2014) et Eveningside (2021-2022). Ben Shapiro a consacré à son travail le documentaire Gregory Crewdson: Brief Encounters (2012).

Gregory Crewdson travaillait avec un éclairage cinématographique, une grande équipe et des semaines, voire des mois de préparation pour chaque photo. Ses scènes étaient chargées de tension psychologique. Crewdson a reçu des doctorats honoris causa du Montserrat College of Art en 2012 et de SUNY Purchase en 2013. Devant ses scènes silencieuses, je me demande jusqu'où l'on peut diriger un portrait avant que mon regard de photographe ne voie surtout la mise en scène.

16. Juergen Teller (1964-aujourd’hui, Allemagne)

Juergen Teller a publié en 1999 le livre de photos Go-Sees: Girls Knocking on My Door. Le photographe allemand s'est installé à Londres en 1986 et travaille depuis 1997 sur les campagnes de Marc Jacobs. Il a également réalisé des photos pour l'album Let's Get to It (1991) de Kylie Minogue. Son livre Donkey Man and Other Stories est paru en 2021.

Juergen Teller laissait une place à l'imperfection : ses photos étaient brutes, souvent drôles et volontairement peu lissées. Il apparaissait aussi régulièrement dans son propre travail. Teller a reçu le Citibank Prize for Photography en 2003 et un ICP Infinity Award en 2018. C'est justement ce mélange qui me plaît : un visage célèbre n'a donc pas besoin d'être impeccable sur la photo.

17. Tim Walker (1970-aujourd’hui, Royaume-Uni)

Tim Walker a publié son premier livre de photos sous le titre Pictures. Le photographe britannique a notamment travaillé pour Vogue et W. En 2019, son travail a été présenté au V&A dans l'exposition Tim Walker: Wonderful Things.

Tim Walker réalisait des photos mises en scène, avec des décors exubérants et des motifs romantiques. Ses portraits avaient ainsi quelque chose du conte de fées. Walker a reçu l'Isabella Blow Award for Fashion Creator en 2008 et un ICP Infinity Award en 2009. Ses décors m'apprennent toute la place qu'un environnement inventé peut prendre dans un portrait.

18. Anton Corbijn (1955-aujourd’hui, Pays-Bas)

Anton Corbijn a publié Famouz en 1989 et U2 & I en 2005. Le photographe néerlandais a beaucoup travaillé avec des musiciens, dont Tom Waits, Bob Dylan et Björk. Pour Depeche Mode, il réalise des clips depuis 1986 et conçoit des décors de scène depuis 1993. Sa collaboration avec Tom Waits a également donné lieu à un livre : Waits/Corbijn '77-'11 (2013).

Anton Corbijn s'est fait connaître par ses photos en noir et blanc et travaille aussi en couleur, avec des filtres, depuis 1989. Ses portraits ont contribué pendant des années à définir l'image de U2 et de Depeche Mode. C/O Berlin lui a consacré une rétrospective en 2015, puis Fotografiska Berlin en 2026. Ses portraits de U2 et de Depeche Mode me montrent à quel point un photographe peut influencer l'image d'un groupe.

19. Mary Ellen Mark (1940-2015, États-Unis)

Pour Ward 81 (1979), Mary Ellen Mark a passé six semaines dans le service. Pour Falkland Road: Prostitutes of Bombay (1981), la photographe américaine a travaillé trois mois dans la rue du même nom. Elle a réalisé cette série en couleur. Elle a ensuite publié, entre autres, les livres de portraits Twins (2003) et Prom (2012).

Mary Ellen Mark nouait des relations de confiance durables avec les personnes qu'elle photographiait, souvent en marge de la société. Elle a reçu un ICP Infinity Award en 1997. Pour moi, ces six semaines passées dans le même service donnent un sens concret à l'engagement des photographes documentaires célèbres.

20. Rankin (1966-aujourd’hui, Royaume-Uni)

Rankin s'appelle en réalité John Rankin Waddell et est né à Glasgow. Le portraitiste britannique a fondé Dazed & Confused avec Jefferson Hack, puis lancé le magazine Hunger en 2011. Parmi ses livres figurent Snog (2000) et Hunger The Book (2016). Pour le projet Rankin Live (2009), il a réalisé environ mille portraits, à raison d'un par quart d'heure.

Rankin réalisait des photos brillantes et très travaillées, où la sexualité était souvent bien présente. Il a notamment photographié Elizabeth II, Madonna et Kate Moss. Son travail de portraitiste a été reconnu par un Honorary Fellowship de la Royal Photographic Society en 2002 et un British Photography Awards Fellowship en 2019. Dans Rankin Live, je m'arrête surtout sur ce quart d'heure par personne : comment faire, à chaque fois, le portrait de quelqu'un d'autre en si peu de temps ?

21. Bryan Adams (1959-aujourd’hui, Canada)

Bryan Adams a photographié la reine Elizabeth II en 2002, lors de son jubilé d'or. Une photo de cette séance a figuré sur un timbre canadien en 2004 et 2005. Le chanteur canadien mène aussi une seconde carrière de photographe. Son premier livre rétrospectif, Exposed, est paru en 2012. Dans Wounded: The Legacy of War (2013), il s'est intéressé aux conséquences humaines de la guerre.

Bryan Adams a photographié de nombreuses célébrités et travaillé pour des marques, dans la mode et la publicité. À côté de ces commandes, il y avait un livre comme Wounded: The Legacy of War. Ses photos de mode lui ont valu des Lead Awards en 2006, 2012 et 2015. Pour moi, la leçon tient au choix de ses sujets : les célébrités, mais aussi les conséquences humaines de la guerre.

22. Steve McCurry (1950-aujourd’hui, États-Unis)

Steve McCurry a réalisé en décembre 1984 le portrait devenu célèbre sous le titre Afghan Girl. La photo de Sharbat Gula a fait la couverture de National Geographic en juin 1985. Le photographe américain est membre de Magnum Photos depuis 1986. Son livre Portraits est paru en 1999, suivi notamment de The Iconic Photographs (2012) et d'Afghanistan (2017).

Vous reconnaissiez Steve McCurry à ses couleurs vives et à son attention à ce que partageaient les personnes de cultures différentes. Il a remporté des premiers prix au World Press Photo en 1985 et 1992, puis reçu le Lucie Award for Photojournalism en 2003. Le portrait de Sharbat Gula me montre comment un seul visage peut devenir le repère auquel on reconnaît toute une œuvre.

23. Nan Goldin (1953-aujourd’hui, États-Unis)

Nan Goldin a publié The Ballad of Sexual Dependency chez Aperture en 1986. La photographe américaine y documentait sa propre vie, ses amis et ses relations intimes. Elle présentait aussi ces photos sous forme de diaporama. En 1985, ce travail a été exposé au Whitney Museum. Le musée lui a ensuite consacré la rétrospective I'll Be Your Mirror en 1996, à nouveau autour de sa photographie personnelle.

Nan Goldin réalisait des portraits sans détour, qui avaient l'allure de photos prises sur le vif. Ses amis formaient une sorte de famille élargie, dont elle photographiait les relations et le quotidien. En 2014, elle a reçu le Lucie Award for Achievement in Portraiture. Pour moi, son apport à la photographie de portrait tient justement à cette proximité. Ses portraits m'apprennent à regarder aussi tout près, ma propre vie et les gens qui en font partie.

24. Camille Vivier (1977-aujourd’hui, France)

Camille Vivier est une photographe française qui vit et travaille à Paris. Parmi ses livres figurent Couleurs du Spectre (2011), Sophie (2019) et H.R. Giger by Camille Vivier (2022). Les figures et les corps féminins revenaient dans son travail, notamment des culturistes dans des lieux inattendus. Pensez au cabinet de travail de Freud ou à l'atelier de Giger.

Camille Vivier réalisait des études de figures mises en scène, entre art et mode, en s'intéressant au corps et aux natures mortes. Elle a remporté le prix de photographie du Festival de Hyères en 1998. Sa première rétrospective a suivi à la MEP, à Paris, en 2026. Face à une culturiste dans le cabinet de travail de Freud, je regarde forcément le lieu comme une partie du portrait.

25. Erwin Olaf (1959-2023, Pays-Bas)

Erwin Olaf a publié en 1988 le livre Chessmen. An Attempt to Play the Game. Avec Chessmen, le photographe néerlandais a remporté la même année le titre de Young European Photographer of the Year. Il a ensuite réalisé la série d'autoportraits I wish, I am, I will be (2009) et les portraits officiels de la famille royale en 2018. Il est mort le 20 septembre 2023.

Erwin Olaf construisait des scènes dont il était à la fois le metteur en scène et le photographe. Ses photos avaient quelque chose de cinématographique, avec une tension sous une apparence soignée. En 2018, un ensemble majeur de plus de 500 œuvres a rejoint le Rijksmuseum, qui lui a rendu hommage en 2023 avec une présentation dans l'Eregalerij. C'est justement ce malaise qui retient mon regard de photographe dans ses portraits : quelque chose continue de me travailler dans ce qui paraît si impeccable.