Bekannte Dokumentarfotografen
Dokumentarfotografie hält, noch mehr als Straßenfotografie, Geschichten fest, die sonst vielleicht unbemerkt blieben. Von sozialer Ungleichheit bis zu alltäglichen Momenten: Diese Fotografen haben die Welt so gezeigt, wie sie wirklich ist. Als Inspiration finden Sie hier eine Übersicht von 25 der einflussreichsten Dokumentarfotografen aller Zeiten. Natürlich gibt es noch viele mehr, aber ich habe versucht, einen schönen Querschnitt zusammenzustellen!
Haben Sie selbst ein Projekt und suchen Sie einen Dokumentarfotografen mit Wurzeln in der Straßenfotografie, der spontan und ungeschliffen arbeitet und mitdenkt? Dann nehmen Sie gerne Kontakt mit mir auf.
Bevorzugen Sie Fotografen, die aus der Straßenfotografie statt aus der dokumentarischen Tradition kommen? Ich habe auch 25 bekannte Straßenfotografen zusammengestellt.
1. Robert Frank (1924-2019, Schweiz)
Robert Frank wählte für seinen bekanntesten Fotoband 83 Fotos aus rund 28.000 Aufnahmen aus. Entstanden waren sie auf einer Reise durch die Vereinigten Staaten, ermöglicht durch ein Guggenheim-Stipendium von 1955. Das Buch erschien 1958 in Paris als Les Américains und 1959 als The Americans, mit einer Einleitung von Jack Kerouac.
Robert Frank blickte als Außenseiter auf Amerika. Seine Fotos waren rau und persönlich, mit ungewöhnlichen Bildausschnitten und Unschärfen. Damit brach er mit dem sauber aufgeräumten Fotojournalismus seiner Zeit. Genau das macht seine Arbeit interessant: Ein Foto muss offenbar nicht ordentlich aussehen, um etwas zu erzählen. Frank erhielt 1996 den Hasselblad Award. Auch in der Geschichte der Straßenfotografie begegnen Sie ihm.
2. Henri Cartier-Bresson (1908-2004, Frankreich)
Henri Cartier-Bresson veröffentlichte 1952 Images à la sauvette, mit 126 Fotos und einem Umschlag von Henri Matisse. Der englische Titel, The Decisive Moment, stammte vom amerikanischen Verlag. Das Buch machte den Begriff des „entscheidenden Augenblicks“ berühmt. Über dieses Buch habe ich in meinem Artikel zum Geschichtenerzählen mit Fotos geschrieben. Bereits 1947 hatte Cartier-Bresson gemeinsam mit Robert Capa, David Seymour, George Rodger und William Vandivert Magnum Photos gegründet.
Henri Cartier-Bresson arbeitete mit einer 35-mm-Leica, verzichtete auf Blitzlicht und beschnitt seine Fotos nicht nachträglich. Der Bildausschnitt stand also schon bei der Aufnahme fest. Das spricht mich mindestens so an wie dieser berühmte Augenblick. Er erhielt 1982 den Hasselblad Award. 2003 kam die Fondation Henri Cartier-Bresson in Paris hinzu.
3. Sebastião Salgado (1944-2025, Brasilien)
Sebastião Salgado fotografierte für Workers (1993) unter anderem die Goldmine Serra Pelada. Der brasilianische Dokumentarfotograf arbeitete später an Migrations (2000) und Genesis (2013). Seine Projekte dauerten Jahre. Neben seiner fotografischen Arbeit gründete er 1998 mit seiner Frau Lélia das Instituto Terra, das sich der Wiederaufforstung widmet.
Sebastião Salgado schuf dramatische, monumentale Schwarz-Weiß-Fotografien. Die lange Dauer seiner Projekte gehört zu diesem Ansatz: Er gab einem Thema Jahre. Für seine Arbeit erhielt er 1989 den Hasselblad Award und 2021 den Praemium Imperiale. Der Dokumentarfilm The Salt of the Earth (2014) handelt von seinem Werk. Große Fotos, in denen viel Zeit steckt.
4. Walker Evans (1903-1975, USA)
Walker Evans arbeitete ab 1935, während der Weltwirtschaftskrise, für die Farm Security Administration. Mit American Photographs widmete ihm das MoMA 1938 seine erste große fotografische Einzelausstellung. Für Let Us Now Praise Famous Men (1941) erarbeitete er gemeinsam mit dem Schriftsteller James Agee ein Porträt von Pächterfamilien in Alabama.
Walker Evans nannte seinen Ansatz „lyric documentary“. Seine Fotos sind nüchtern, frontal und präzise. Diese Verbindung gefällt mir: Eine sachliche Beschreibung kann offenbar auch etwas Poetisches haben. Many Are Called (1966) zeigt seine heimlich aufgenommenen Porträts aus der New Yorker U-Bahn. Das MoMA widmete Evans 1971 eine Retrospektive.
5. Don McCullin (1935-heute, Vereinigtes Königreich)
Don McCullin gelang mit The Guvnors (1958), einem Foto einer Londoner Jugendbande, der Durchbruch. Der britische Fotograf dokumentierte zwischen 1966 und 1984 Kriege für The Sunday Times Magazine. Sein Buch Hearts of Darkness erschien 1980. Für seine Arbeit aus Zypern gewann er 1964 die Auszeichnung World Press Photo of the Year.
Don McCullins dunkle, körnige Schwarz-Weiß-Fotografie beschränkt sich nicht auf seine Kriegsaufnahmen. Später fotografierte er auch Landschaften in Somerset. Ein anderes Thema also, verbunden durch das dunkle Schwarz-Weiß. McCullin wurde 2017 zum Ritter geschlagen. Zu seiner Laufbahn gehören damit sowohl die Anerkennung für seinen Fotojournalismus als auch die Arbeit an Landschaftsfotografien.
6. Bruce Davidson (1933-heute, USA)
Bruce Davidson blieb für East 100th Street (1970) zwei Jahre lang in einer einzigen Straße in East Harlem. Der amerikanische Fotograf war seit 1958 Mitglied von Magnum. Seine Fotos für Brooklyn Gang stammen aus dem Jahr 1959 und erschienen 1998 als Buch. Für Subway (1986) fotografierte er zwischen 1980 und 1985 in Farbe in der New Yorker U-Bahn.
Bruce Davidson nimmt sich Zeit, um Vertrauen zu gewinnen. Lange zu bleiben und mit Empathie zu fotografieren, bildet die Grundlage seiner Arbeit. Zwei Jahre in einer Straße: Das macht seine Arbeitsweise sofort greifbar. Für sein dokumentarisches Gesamtwerk erhielt er 2018 den ICP Infinity Award. Bei Davidson beginnt das Fotografieren damit, sich Zeit für Menschen zu nehmen.
7. Diane Arbus (1923-1971, USA)
Diane Arbus fotografierte Identical Twins, Roselle, N.J. 1967. Im selben Jahr nahm sie gemeinsam mit Lee Friedlander und Garry Winogrand an der Ausstellung New Documents im MoMA teil. Ein weiteres bekanntes Foto ist Child with Toy Hand Grenade in Central Park (1962). Ihre Arbeit zeigt Menschen am Rand der Gesellschaft und gewöhnliche Menschen, die fremdartig wirken.
Diane Arbus fotografierte ihre Motive frontal, im quadratischen Format, und setzte auch bei Tageslicht einen Blitz ein. Dieser Ansatz passt zu ihren Porträts, in denen das Gewöhnliche manchmal fremd erscheint. Arbus erhielt 1963 ein Guggenheim-Stipendium. Nach ihrem Tod folgten 1972 eine Retrospektive im MoMA und eine Monografie bei Aperture. Die Anerkennung ging also weiter.
8. David Goldblatt (1930-2018, Südafrika)
David Goldblatt hielt Südafrika in Büchern wie On the Mines (1973) und Some Afrikaners Photographed (1975) fest. Für The Transported of KwaNdebele (1989) fotografierte er Pendler, die stundenlang in Bussen saßen. 1989 gründete er außerdem den Market Photo Workshop in Johannesburg. Seine Arbeit für die Fotografie umfasste damit eigene Projekte und eine Fotoschule.
David Goldblatt zeigte die Apartheid anhand des Alltags, der Landschaft und der Gebäude. Gewalt war nicht sein Ausgangspunkt. Gerade diese Stunden im Bus machen für mich greifbar, wie ein politisches System in den Alltag der Menschen hineinwirkt. Goldblatt war 1998 der erste Südafrikaner mit einer Einzelausstellung im MoMA und erhielt 2006 den Hasselblad Award.
9. Jill Freedman (1939-2019, USA)
Jill Freedman fotografierte für Old News: Resurrection City (1970) das Protestcamp der Poor People's Campaign in Washington. In Firehouse (1977) begleitete sie die Feuerwehr in New York. Danach erschien Street Cops (1982), über die Polizei derselben Stadt. Freedman ging mit den Menschen mit, die sie fotografierte. Ein Ansatz, der zu diesen Themen passt.
Jill Freedman arbeitete in Schwarz-Weiß, mit Tri-X und vorhandenem Licht. Ihr dokumentarischer Ansatz war ganz konkret: dabei sein, wenn Menschen etwas tun. Freedman erhielt 1982 die Leica Medal of Excellence für ihre Fotografie.
10. Susan Meiselas (1948-heute, USA)
Susan Meiselas fotografierte für Carnival Strippers (1976) Stripteasekünstlerinnen auf Jahrmärkten in Neuengland. Ihr Farbfotoband Nicaragua, June 1978-July 1979 erschien 1981 und enthält das Foto, das als „Molotov Man“ bekannt wurde. 1997 folgte Kurdistan: In the Shadow of History. Meiselas wurde 1976 für die Aufnahme bei Magnum nominiert und 1980 Mitglied.
Susan Meiselas verbindet in ihrem Werk ziemlich unterschiedliche Themen: Jahrmarktskünstler in Neuengland, Nicaragua und Kurdistan. Das macht ihre Arbeit für mich innerhalb der Dokumentarfotografie interessant. Mit einem einzigen Thema lässt sich ihre Laufbahn eindeutig nicht beschreiben. Meiselas erhielt 1992 ein MacArthur-Stipendium und 2019 den Deutsche Börse Photography Foundation Prize.
11. Philip Jones Griffiths (1936-2008, Vereinigtes Königreich)
Philip Jones Griffiths veröffentlichte 1971 Vietnam Inc., einen kritischen Fotoband über den Vietnamkrieg. Der Fotograf aus Wales wurde im selben Jahr Vollmitglied von Magnum, nachdem er seit 1966 assoziiertes Mitglied gewesen war. Ab 1980 war er fünf Jahre lang Präsident der Agentur. Sein Buch Dark Odyssey erschien 1996.
Philip Jones Griffiths arbeitete in mehr als 120 Ländern. Trotzdem bietet gerade das klar umrissene Thema von Vietnam Inc. einen guten Einstieg in sein Werk: ein kritischer Blick auf einen einzelnen Krieg. Für mich zeigt dieses Buch, dass Dokumentarfotografie auch Stellung beziehen kann. Seine Präsidentschaft bei Magnum ist daneben ein wichtiger Meilenstein.
12. Raghu Rai (1942-2026, Indien)
Raghu Rai begann 1966 als Fotograf bei The Statesman. Ab 1970 fotografierte er Mutter Teresa, 1971 dokumentierte er den Krieg in Bangladesch. 1984 fotografierte er die Gaskatastrophe von Bhopal. Rai wurde in Jhang geboren, das heute in Pakistan liegt, und starb am 26. April 2026 in Delhi.
Raghu Rai wurde 1977 auf Vorschlag von Henri Cartier-Bresson das erste indische Mitglied von Magnum. Bereits 1972 hatte er den Padma Shri erhalten. Diese Anerkennung und seine Arbeit über Bangladesch und Bhopal machen seine Bedeutung für den Fotojournalismus greifbar. Zu seiner Laufbahn gehören sowohl die Begleitung von Mutter Teresa als auch die Dokumentation eines Krieges und einer Katastrophe.
13. LaToya Ruby Frazier (1982-heute, USA)
LaToya Ruby Frazier richtete die Kamera für The Notion of Family (2014) auf ihre eigene Familie und ihre Heimatstadt Braddock, eine heruntergekommene Stahlstadt in Pennsylvania. Ihre Mutter und ihre Großmutter sind Teil der Arbeit. Mit Flint Is Family (2016-2017) beschäftigte sie sich mit der Wasserkrise in Flint. Ihre eigene Umgebung war also ein Ausgangspunkt.
LaToya Ruby Frazier verbindet Selbstporträts mit sozialdokumentarischer Fotografie. Sie beschäftigt sich mit Herkunft und sozialer Klasse, aber auch mit Gesundheit und Umwelt. Das Persönliche bekommt dabei einen ganz konkreten Platz: Ihre Familie und Braddock gehören zur selben Geschichte. Frazier erhielt 2014 ein Guggenheim-Stipendium und 2015 ein MacArthur-Stipendium. Mich interessiert vor allem diese Nähe zu ihren Themen.
14. Gabriele Basilico (1944-2013, Italien)
Gabriele Basilico studierte Architektur und fotografierte für Ritratti di fabbriche zwischen 1978 und 1980 Fabriken in Mailand. Das Buch erschien 1981. Er war der einzige Italiener in der französischen DATAR-Mission, die 1984-1985 die französische Landschaft dokumentierte. Für Beirut (1991) fotografierte er die zerstörte Stadt nach dem Bürgerkrieg. Wieder stand die gebaute Umgebung im Mittelpunkt.
Gabriele Basilico machte die Stadt und ihre Architektur zum Thema, ohne Menschen auf seinen Fotos. Bernd und Hilla Becher beeinflussten seine Arbeit. Das macht ihn innerhalb der Dokumentarfotografie interessant: Auch Gebäude können Gegenstand einer dokumentarischen Arbeit sein. Basilico erhielt 1996 die Osella d'Oro auf der Biennale von Venedig.
15. Claude Dityvon (1937-2008, Frankreich)
Claude Dityvon fotografierte im Mai 1968 in Paris. Er war unter anderem auf dem Boulevard Saint-Michel unterwegs, ohne Auftrag einer Zeitung. Damals verkaufte er keine Fotos an die Presse und wartete manchmal lange, bis sich ein Bild ergab. Seine Schwarz-Weiß-Fotos zeigen starke Kontraste zwischen Hell und Dunkel und lassen Raum für Unschärfe und Bewegung. In einem geduldig komponierten Bild ist der Mensch manchmal kaum zu erkennen.
Claude Dityvon machte 1970 im Auftrag des Maison de la Culture in Chalon-sur-Saône eine Reportage über die Stadt und ihre Bewohner. Für diese Reportage erhielt er den Prix Niépce. 1972 gründete er die Fotoagentur Viva mit, unter anderem gemeinsam mit Martine Franck, Guy Le Querrec und Richard Kalvar. 1986 erschien sein Buch Humeurs de la ville.
16. Paolo Pellegrin (1964-heute, Italien)
Paolo Pellegrin fotografiert Kriege, Konflikte und deren Folgen. Der italienische Fotograf veröffentlichte 2002 Kosovo, gefolgt von As I Was Dying (2007) und Dies Irae (2011). Magnum nominierte ihn 2001 für die Aufnahme und nahm ihn 2005 als Mitglied auf. 2006 erhielt Pellegrin für seine Arbeit den W. Eugene Smith Grant.
Paolo Pellegrin arbeitet mit dunklem Schwarz-Weiß und viel Bewegung. Dieser Stil gehört zu seinen Fotos von Konflikten und dem, was danach zurückbleibt. Gerade Letzteres ist mir wichtig: Auch die Folgen sind ein Thema. Pellegrin gewann zehn World Press Photo-Preise, den ersten davon 1995. Seine Arbeit wurde im Fotojournalismus damit wiederholt ausgezeichnet.
17. Joan Colom (1921-2017, Spanien)
Joan Colom fotografierte zwischen 1958 und 1961 im Barri Xino, dem Rotlichtviertel von Barcelona, das auch El Raval heißt. Seine Ausstellung El carrer war 1961 in der Sala Aixelà zu sehen. 1964 erschien Izas, rabizas y colipoterras, mit einem Text von Camilo José Cela. Nach dem Buch kam es zu einem Gerichtsverfahren, und Colom hörte auf zu fotografieren.
Joan Colom fotografierte oft aus der Hüfte, ohne dass die Menschen es bemerkten. Das ist ein konkretes Merkmal seiner Straßenfotografie. Seine Laufbahn kam nach diesem Gerichtsverfahren zum Stillstand. Später wurde sein Werk wiederentdeckt: 1999 folgte eine Ausstellung im MNAC. Colom erhielt 2002 den Premio Nacional de Fotografía.
18. Christer Strömholm (1918-2002, Schweden)
Christer Strömholm fotografierte zwischen 1958 und 1968 trans Frauen rund um die Place Blanche und Pigalle in Paris. Die Fotos erschienen in Les Amies de Place Blanche (1983). Zuvor hatte der schwedische Fotograf Poste Restante (1967) veröffentlicht. Ab 1962 leitete er außerdem die Fotoskolan in Stockholm, wo er Generationen schwedischer Fotografen prägte.
Christer Strömholm arbeitete zehn Jahre lang an seinem Thema rund um die Place Blanche und Pigalle. Diesen langen Zeitraum habe ich im Kopf, wenn ich Les Amies de Place Blanche betrachte. Sein Einfluss wirkte auch über den Unterricht an der Fotoskolan. Strömholm erhielt Ende der neunziger Jahre den Hasselblad Award.
19. Luigi Ghirri (1943-1992, Italien)
Luigi Ghirri veröffentlichte 1978 Kodachrome, den Fotoband eines Pioniers der Farbfotografie. 1984 stellte er Viaggio in Italia zusammen: eine Ausstellung und ein Buch, in denen zwanzig Fotografen auf die italienische Landschaft blickten. Sein eigener Band Paesaggio italiano folgte 1989. Die Landschaft kehrt damit sowohl in seinen Fotos als auch in seiner Arbeit als Kurator und Herausgeber wieder.
Luigi Ghirri spielte mit Wirklichkeit und Vorstellung. Schilder, Karten und Abbildungen in der Landschaft wurden Teil seiner Fotos, oft mit einem ironischen Blick. Der Gedanke gefällt mir: In einer Landschaft stehen auch wieder Bilder von der Welt. Seine Arbeit gibt Farbe und solchen alltäglichen Details einen Platz in der Dokumentarfotografie.
20. Josef Koudelka (1938-heute, Tschechien)
Josef Koudelka fotografierte den sowjetischen Einmarsch in Prag im August 1968. Die Fotos erschienen anonym unter „P.P.“, für „Prague Photographer“, und wurden 1969 mit der Robert Capa Gold Medal ausgezeichnet. Das Buch Invasion 68: Prague erschien 2008. Zuvor hatte er Gypsies (1975), über Roma in Osteuropa, und Exiles (1988) veröffentlicht, zwei weitere wichtige Bücher seines Werks.
Josef Koudelka arbeitete für Chaos (1999) mit Panoramafotos. Das Buch ergänzt sein Werk, zu dem auch der Einmarsch in Prag und Roma in Osteuropa gehören, um ein anderes Format. Für seine Arbeit erhielt er 1992 den Hasselblad Award. Koudelka war ab 1971 mit Magnum verbunden und wurde 1974 Vollmitglied.
21. Jean Gaumy (1948-heute, Frankreich)
Jean Gaumy durfte 1976 als erster Fotojournalist in französischen Gefängnissen arbeiten. Daraus entstand das Buch Les Incarcérés (1983). Für L'Hôpital fotografierte er auch im Krankenhaus. Für Pleine mer (2001) widmete er sich Fischern auf Trawlern. Das Buch erhielt im Erscheinungsjahr den Prix Nadar.
Jean Gaumy wählte mit Gefängnissen, dem Krankenhaus und Trawlern ganz konkrete Arbeitsumgebungen und Lebensbedingungen als Themen. Über diese Themen können Sie sich seiner Dokumentarfotografie auf unterschiedliche Weise nähern. Auch D'après nature (2010) erhielt den Prix Nadar. Gaumy wurde 1986 Mitglied von Magnum und 2016 in die Académie des Beaux-Arts gewählt, wo 2018 seine feierliche Einführung folgte.
22. Zanele Muholi (1972-heute, Südafrika)
Zanele Muholi bezeichnet sich selbst als „visual activist“. 2006 begann Muholi mit Faces and Phases, einer Porträtserie von Schwarzen Lesben, trans und nichtbinären Menschen in Südafrika. In Somnyama Ngonyama arbeitet Muholi mit Selbstporträts. Muholis Werk war 2013 auf der Biennale von Venedig zu sehen und wurde auch in einer Überblicksausstellung in der Tate Modern gezeigt.
Zanele Muholi beschreibt mit „visual activist“ selbst das eigene Verständnis der Arbeit. Die Menschen in Faces and Phases und die Selbstporträts in Somnyama Ngonyama machen diese Entscheidung greifbar. Für mich ist das ein klarer Ausgangspunkt, um Muholis Fotografie zu betrachten. Muholi erhielt 2013 den Prince Claus Award und 2026 den Hasselblad Award.
23. Latif Al Ani (1932-2021, Irak)
Latif Al Ani fotografierte den modernen, aufstrebenden Irak der fünfziger und sechziger Jahre. Ab 1954 arbeitete er für Ahl al-Naft, die Zeitschrift der Iraq Petroleum Company, und später für die irakische Nachrichtenagentur. Er hörte 1979 auf zu fotografieren. Ein großer Teil seines Archivs ging 2003 verloren.
Latif Al Ani wird „der Vater der irakischen Fotografie“ genannt. Seine Fotos dokumentieren eine konkrete Zeit: den aufstrebenden Irak der fünfziger und sechziger Jahre. Der Verlust eines großen Teils seines Archivs macht den erhalten gebliebenen Blick für mich umso wichtiger. Sein Werk war 2015 im irakischen Pavillon auf der Biennale von Venedig zu sehen.
24. Mary Ellen Mark (1940-2015, USA)
Mary Ellen Mark fotografierte für Ward 81 (1979) auf der Frauenstation des Oregon State Hospital. In Falkland Road (1981) porträtierte sie Sexarbeiterinnen und Sexarbeiter in Mumbai, in Farbe. Streetwise begann 1983 als Reportage über Straßenkinder in Seattle für Life. Danach folgten 1984 der für einen Oscar nominierte Film mit Martin Bell und 1988 das Buch.
Mary Ellen Mark verbrachte viel Zeit mit Menschen am Rand der Gesellschaft und fotografierte sie mit Empathie. Das Mädchen Tiny aus Streetwise begleitete sie über Jahrzehnte. Das macht ihren Ansatz greifbar: Ihr Engagement endete nicht mit dieser einen Reportage. Für mich liegt gerade in diesem Dranbleiben ein großer Teil ihrer Bedeutung als Dokumentarfotografin. Auch in meiner Übersicht über bekannte Porträtfotografen finden Sie sie.
25. Lewis Hine (1874-1940, USA)
Lewis Hine fotografierte 1930-1931 den Bau des Empire State Building und veröffentlichte 1932 Men at Work. Zuvor hatte er zwischen 1904 und 1909 Einwanderer auf Ellis Island fotografiert. Ab 1908 arbeitete er für das National Child Labor Committee, für das er Kinderarbeit in Fabriken, Bergwerken und auf dem Land dokumentierte.
Lewis Hine war Soziologe und Lehrer und sah Fotografie als Mittel für gesellschaftliche Veränderung. Seine Fotos trugen zu Gesetzen gegen Kinderarbeit bei. Das ist ein konkreter Grund, warum seine Arbeit zählt, auch außerhalb der Fotografie. Die Library of Congress bewahrt mehr als 5000 Fotos von Hine auf. Bei Hine reicht die Bedeutung eines Fotos über das hinaus, was darauf zu sehen ist.
